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Vuelven los sesenta venezolanos
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Hoy comienza en la Cinemateca Nacional una programación antológica dedicada
al cine venezolano de los años sesenta, la cual reúne 16 películas. No hay
en el cine hecho en esa época en el país nada ni remotamente parecido a la
Nueva Ola francesa, ni al cine underground estadounidense, ni al Cinema Novo
brasileño, etcétera. Sin embargo, los filmes que se exhibirán podrían
sorprender al público que no los conoce, sobre todo si no tiene ninguna idea
sobre lo que ha sido la historia del cine nacional o si la concepción que se
maneja tiene como paradigma los largometrajes de ficción de setenta y
ochenta, la época de mayor producción y máxima popularidad del cine
venezolano. La cinematografía nacional comprende mucho más que Cuando
quiero llorar no lloro, de Mauricio Walerstein (1972); Soy un
delincuente, de Clemente de la Cerda (1976); El pez que fuma, de
Román Chalbaud (1977), o Macu, de Solveig Hoogesteijn (1987), sin
desmerecer los méritos de estas importantes películas, y los filmes que
forman parte de la programación son una manera de demostrarlo.
La muestra tiene como principal novedad el estreno de una copia del filme
La paga, realizado en Venezuela en 1962 por el director colombiano Ciro
Durán, quien llegó al país en 1959 y estudió teatro en la casa sindical de
El Paraíso con Chalbaud. Carmen Luisa Cisneros, en Panorama histórico del
cine en Venezuela, refiere que se trata de una cinta cuya importancia
radica, en primer lugar, en que centró su atención en los campesinos, a
contracorriente de la temática urbana que ha predominado en el cine
nacional. Está marcada también por la influencia del cine soviético, en
especial por la vanguardia de los veinte: Eisenstein, Kukechov, Pudovkin y
Dovjenko, agrega la historiadora. La paga que puede verse hoy tiene,
además, una curiosa historia. Inconforme con el resultado de su trabajo,
Durán tomó el negativo del filme y lo hizo pedazos, no para destruirlo sino
con el propósito aparente de hacer otro montaje que nunca concluyó, cuenta
Oscar Garbisu, director del Archivo Fílmico de la Cinemateca. La cinta nueva
que se verá fue tirada recientemente a partir de un negativo hecho con una
copia que se conservaba en buen estado - Pablo Gamba
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más
Ver la
programación |
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críticas |
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[El
Benny]
El
Benny
(Jorge Luis Sánchez, Cuba/RU/España, 2006) “se inspira” en la vida del
cantante y músico cubano Benny Moré, y efectivamente no pretende ser una
biografía completa, sino concentrarse en el período de gran popularidad,
hasta su muerte en 1963, a los 43 años. Esta opción no resulta sencilla,
al reflejar un mundo de por sí desordenado, plagado de rivalidades
profesionales y pasionales y marcado por el alcoholismo y su violencia
nunca extrema pero siempre latente. Los guionistas introducen algunos
prolongados y débiles desarrollos que aumentan la confusión: las
dificultades que encuentra Benny para casarse en segunda nupcias con una
muchacha “seria”; una historia de celos y venganzas que va de México a
Venezuela; el origen campesino y la santería de los abuelos; el contexto
político bajo Batista. Los elementos que penetran y validan tanto el
conjunto como el personaje son la música y el alcohol. El director, a su
primer largo, es inobjetable en el detalle y logra un manejo fuerte y
sensible de las escenas de ensayos musicales, así como de las soluciones
narrativas de la muerte del artista. La energía física e interpretativa
de Renny Arozarena sostiene el conjunto. Nada que ver, sin embargo, con
el gran cine cubano de las dos primeras décadas.
Ambretta Marrosu,
El Dedo en el Ojo,
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"No
pocas de las biopic que he visto han sido bastante light y como
plagadas por una misma fórmula dramatúrgica en la que los contextos, que
tanto moldean y definen a cualquier mortal, casi siempre están
escamoteados, no interesan"
Jorge Luis Sánchez
Lea la entrevista en Vértigo |
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[Batman, el
caballero de la noche]
Batman el
caballero de la noche
es una película cinematográficamente limitada e ideológicamente
detestable. Se trata de un fenómeno inmenso como un zepelín, inflado
desde hace más de año y medio por una feroz campaña de marketing y
retroalimentada por miles de internautas en el mundo. Para colmo de
males parece tener el visto bueno de la crítica mundial, con
consensos favorables casi absolutos, inclusive entre los redactores
de la revista especializada El amante cine, un referente de
crítica y análisis en habla hispana. Esta nueva entrega se inscribe
en una tendencia cinematográfica muy de moda hoy en los Estados
Unidos, que se caracteriza por un montaje rápido que expone tramas y
subtramas de personajes rígidos y de gravísimo semblante en
situaciones hiperdialogadas, de frialdad casi burocrática y cierta
pretensión de realismo. Michael Mann (Vicio en Miami), Paul
Greengrass (La supremacía Bourne) y Peter Berg (El reino)
son nombres clave en esta corriente hiperrealista de género, que
parece tener ya unos cuantos adeptos. No deja de ser llamativa e
interesante la bajada de Batman a un mundo pretendidamente terrenal,
un personaje valeroso instalado en una Ciudad Gótica colmada de
destrucción y caos, donde campea la ausencia absoluta de reglas y de
límites morales. En definitiva, un mundo que precisa, para el papel
de defensor de la justicia, a uno de mano extremadamente dura.
Diego Faraone,
Denme Celuloide
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[Sex and
the City]
Antes de que las
enfervorizadas y fanáticas seguidoras de la serie me caigan encima
endilgándome un supuesto machismo, una mirada sesgada o un prejuicio
degradante y condenatorio debo contarles que descubrí Sex and the
City en una época, 1999, en la que viajaba bastante seguido por
trabajo a los Estados Unidos y la podía apreciar “en vivo y en
directo” durantes sus primeras emisiones, bastante antes de que
desembarcara en la Argentina. Se la recomendé de inmediato a mi
esposa (por entonces novia y concubina) y no tardamos en
convertirnos en adictos (ella más que yo) durante las 6 temporadas
que duró en el aire. He disfrutado de prácticamente todo el centenar
de capítulos de su historia y, aunque no tenga la visión de género,
esa conexión de pares, esa identificación tan propia de las mujeres
para con las desventuras afectivas de Carrie, Samantha, Charlotte y
Miranda, creo contar con la suficiente entidad como para analizar
este gran fenómeno sociológico (y decepcionante resultado artístico)
que ha generado la película. Diego
Batlle,
Otros Cines
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videopatías |
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[Melodía de
arrabal
y El día que me quieras]
Ver Bus 147 (Ônibus 174, 2002) es esencial para
comprender el pensamiento de José Padilla, el controversial director
de Tropa de elite, la película ganadora del Oso de Oro en el
Festival de Berlín este año y que pronto se estrenará en Venezuela.
Se trata de uno de los documentales más importantes que se han hecho
en América Latina en los últimos años y que recorre con destreza y
originalidad un camino muchas veces transitado en la región, tanto
en ese género como en la ficción: las historias de la página roja.
El codirector, junto con Felipe Lacerda, tomó el caso del secuestro
de un autobús en Río de Janeiro por un joven de la calle armado, que
fue cubierto en vivo por la televisión, para indagar en el mismo
problema que aborda Ciudad de Dios (Cidade de Deus),
estrenada también en 2002, y que reaparece en Tropa de elite:
los mecanismos que crea la sociedad para deshacerse de los pobres.
La diferencia es que el interés de Fernando Meirelles se dirigió
hacia cómo los que viven en las favelas se matan unos a otros en
guerras de delincuentes con armas que les vende la policía, mientras
que Padilha se ha ocupado también de la fuerza pública, y en
especial al Batallón de Operaciones Policiales Especiales (BOPE),
que es el encargado de llevar a la práctica el trabajo de borrar del
mapa a aquellos que la sociedad quiere hacer invisibles.
Pablo Gamba
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"Creo
que algunas canciones y una música adaptada es lo más adecuado para
ese espectáculo, que debe tener necesariamente su técnica propia,
diferente a la del teatro, porque la música tiene que sustituir al
lenguaje. Eso es, a mi juicio, el secreto
del film"
Carlos Gardel |
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al tanto |
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 Los
más prometedores:
La revista Filmmaker publicó
su lista anual de los 25 talentos jóvenes del cine independiente en
Estados Unidos, cuyas carreras han de ser seguidas de cerca. La encabeza
Jesse Epstein (en la foto).
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 San Sebastián,
adelantos:
El festival de Donostia anunció
algunos de los filmes que estarán en competencia este año. Entre ellos
se encuentran Génova, de Michael Winterbottom, y Caballo de
dos patas, de Samira Makhmalbaf, la madre de la extensa familia de
cineastas iraníes.
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 Como
un álbum familiar:
"Cuando empecé a hacer esos
primeros filmes, la narración era para mí era como cuando ves un álbum
de fotos de tus padres, y tienes esa cosa azarosa, como cuando hay una
foto tuya junto a tu abuela, en Grecia, al lado de una en la que eres
bañado por tu madre, cuando tenías tres años de edad, al lado de una de
tu padre bebiendo una cerveza. Por sí mismas, casi no tienen ningún
significado, pero al final, de alguna forma extraña, al final del álbum
de fotos hay una narración, está ese drama inherente a la historia de la
familia", dice Harmony Korine en una entrevista con Amy Taubin publicada
en The Brooklyn Rail.
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Con un poco de ayuda de Hollywood:
El gobierno del Kurdistán iraquí
invitó a 10 ejecutivos de Hollywood a que visiten la región para que
vean las posibilidades de cooperación en la creación de un cine
nacional. 3 viajaron al país invadido por Estados Unidos, incluidos Kristin Jones, vicepresidenta de la unidad Miramax
de Disney, y Jorge
Cámara, presidente de la Asociación de Corresponsales Extranjeros,
organización que entrega el Globo de Oro.
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 Estrenos latinoamericanos:
Llegó a los cines en Brasil
Érase una vez, de Bruno Silveira.
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En Colombia se estrena hoy Yo
soy otro, de Óscar Campo, realizada en Cali sin actores de la
televisión.
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la empalizada |
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 Peligro:
Michael Haneke
Miradas de Cine publica un extenso dossier a la obra del director
austríaco, que incluye un estudio de José Francisco Montero y reseñas de
sus filmes, con motivo del estreno de la versión estadounidense de
Funny Games en España.
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 Entre
dos orillas:
Olaf Möller reseña en
Film Comment la obra de Li Ying, un realizador nacido en China y
radicado en Japón, y que ha destacado como director de documentales
críticos de ambas culturas. Un ejemplo: Yasukuni (2007) (en la
foto), sobre un templo que congrega a los militaristas japoneses.
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 ¿Crítica
sin críticos?
"Habituados a esa rutina que parece iniciarse con Platón, en la cual el
arte es el reflejo de la realidad, los críticos han defendido la
necesidad de escrutar en las interioridades e la obra artística, con el
fin de sacar a la luz aquellos mensajes que sólo unos pocos elegidos son
capaces de interpretar. Y eso sólo es posible estableciendo una férrea
disciplina metodológica, algo que parece ajeno a la naturaleza misma de
los blogs. Examinando el asunto desde esa perspectiva, parece
irrefutable que en ese soporte será imposible encontrar algo más que
opiniones y comentarios efímeros", escribe Juan Antonio García
Borrero en Cine Cubano (ilustración tomada de la revista).
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