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Suplemento del Carnaval 2002 |
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Coca y tradición se combinaron en
la Morenada Central-Cocanis |
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con
objetivos altruistas, en base a la solidaridad y la cooperación entre
los afiliados. Después, se hizo realidad una morenada diferente a la
que ya existía y que estaba integrada por veleros. Los
vendedores de coca estaban ubicados en sus puestos de venta en la calle
Cochabamba, entre La Plata y Wáshington. Eran los únicos proveedores
de la hoja milenaria, pero también los que mantenían fe en la Virgen
de la Candelaria y en las tradiciones culturales, a pesar de la
discriminación que habían sufrido de quienes se consideraban
"iluminados" y "poderosos mineros". La
historia de esta institución se escribe desde el 29 de noviembre de
1924, cuando se reunieron los miembros de la Sociedad Comercial de
Socorros Mutuos y Artesanos, pero no para tratar asuntos internos, sino
para formar una institución que pueda participar en el Carnaval de
Oruro. Al
principio fue una comparsa, pero adquirió una personalidad propia,
desde el momento de la fundación, con la participación de Silvestre
Quintanilla, Presidente; Juan Apaza, Vicepresidente; Celedonio Flores,
Secretario General; Miguel Maín, Secretario de Actas; Fermín Huanca,
Secretario de Prensa y Propaganda; Ramón Manuel, Director de Danzas;
Atanacio Quispe, Bernabé Mamani y Faustino Quispe, vocales. La
Morenada Central tiene la misma historia hasta 1993, cuando se registró
la división entre quienes defendían las tradiciones ancestrales y el
respeto a la comunidad cocanis y los que buscaron el manejo democrático,
en base a la renovación de la directiva, con la participación de todos
los que cumplían las normas previstas en el estatuto. El
respeto a la comunidad cocanis fue planteado por Marcelino Flores, con
respaldo de otros, como Gerardo Núñez y Wilson Vargas, pero no fueron
comprendidos en su intención. Los mismos presidentes y delegados de la
mayoría de los afiliados de la Asociación de Conjuntos del Folklore,
aprobaron resoluciones de desconocimiento a Marcelino Flores y su
morenada, declarándolos expulsados. Sin
embargo, pudo más la unidad y la fuerza de Flores, Núñez y Vargas,
con respaldo de centenares de danzarines, hombres y mujeres, amantes de
las tradiciones, para mantenerse firmes e incólumnes, rompiendo
barreras y obstáculos. Nada pudo impedir la presencia de los cocanis en
el Carnaval de 1993, cuando se vislumbraron dos grupos definidos de
morenos, con los mismos atuendos y características de los morenos. El
poncho de vicuña, el sombrero negro, la camisa blanca y el pantalón
negro, estaban en los dos grupos. La
Asociación, que presidía Félix Zanca Cámara, reconoció a la
directiva de Mario Terceros, Fanor Mancilla y Uldarico Cárdenas, por
resolución del primer congreso de conjuntos folklóricos de Oruro. "Hacemos
conocer a los hermanos paceños que Oruro los recibirá con brazos
abiertos, siempre que no participen en grupos marginados que se esconden
bajo el denominativo de ancestrales", decía la resolución, pero
se fue más allá de las previsiones, porque incluso "prohibieron
la presencia de los cocanis en el último convite, el sábado y domingo
de Carnaval". Sin
embargo, los cocanis siguieron haciendo sonar la matraca. Se abrieron
paso con trajes de morenos, achachis, caporales, cholitas y figuras. No
importaban los empujones de los policías ni los gritos de los
dirigentes. La Morenada Central, fundada por la comunidad cocani, se
presentó más alegre que nunca y arrancó aplausos triunfantes para
demostrar su devoción ante la Virgen del Socavón. El
Carnaval de 1994 fue el principio para el fortalecimiento de la Morenada
Central, agregándole el rótulo de Cocanis, en honor a los fundadores
de esa institución. Se consideraron ancestrales, defensores de la hoja
de coca y de la cultura milenaria del pueblo de Oruro. Los
problemas se suscitaron en las mismas o peores condiciones, hasta el
2001, cuando la Asociación de Conjuntos del Folklore de Oruro abrió
las puertas para que más de 800 danzarines de la Morenada
Central-Cocanis puedan participar sin dificultades en el Carnaval 2002,
para relievar el aporte cultural y ancestral de esa institución. La
Asociación, que había protestado, censurado y expulsado a ese grupo de
cocanis que defendían los orígenes de la danza de la morenada,
consideró que no era conveniente mantener una disputa, más aún cuando
el Carnaval de Oruro fue declarado Obra Maestra del Patrimonio Oral e
Intangible de la Humanidad. Uno
de los pilares fundamentales de la Morenada Central-Cocanis fue y seguirá
siendo José Flores Orozco, más conocido como el Jach'a Flores, por la
gran variedad de piezas musicales que dedicó a esa institución. Hasta
sus últimos días de existencia, el Jach'a Flores se aferró a los
cocanis, dedicando las mejores morenadas para la Central-Cocanis. El presidente de la Morenada Central-Cocanis, Elvis Vargas Cabrera, reconoció el gran aporte de Jach'a Flores, porque sigue siendo el que inspira y el que hace vibrar a los danzantes, cuando se baila en el Carnaval o cuando se hace un recorrido con traje de ensayo. Otro connotado compositor es Eloy Apaza, que también forma parte de las tradiciones culturales de la institución, pero al mismo tiempo del pueblo de Oruro y del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.
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El
mejor momento de COMIBOL hizo
crear la Fraternidad Reyes Morenos |
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los mineros de
San José, en la época de mayor poder de los sindicatos mineros. La reunión se
realizó en el patio de almacenes generales de Comibol-Oruro, cerca a la
mina San José, en la zona noroeste de esta ciudad. Era reavivar las
tradiciones y las costumbres que se realizaban cada primer viernes de
mes, tanto en el interior mina como en diferentes oficinas. Los
trabajadores de la Corporación Minera de Bolivia eran los primeros
devotos de la Virgen del Socavón, pero no tenían un conjunto folklórico
que pueda tener la participación de los técnicos, empleados y mineros,
en un espectáculo que cada año estaba creciendo ostensiblemente. El
Carnaval de Oruro ya era conocido a nivel internacional y los mineros no
tenían su propia institución. La primera
diablada ya no era de los mineros, como había sido al principio. La
primera morenada era de los veleros y sus familiares. Los mineros no tenían
ni una diablada, ni una morenada y, por eso, ellos debían tener un
conjunto que les permita ser los "reyes morenos", como remedo
a los españoles que habían pasado por Oruro, durante dos siglos. Los primeros
danzarines fueron trabajadores de Comibol Oruro, pero también
participaron los mineros de San José, Huanuni y otros centros mineros
aledaños a nuestra ciudad. Algunos eran del Norte de Potosí. La característica
fundamental de la Fraternidad es que tiene un predominio de los reyes
morenos y las chinas morenas, participando en bloques mixtos, durante
varios años, a partir del Carnaval 1979. Durante la
gestión de la presidenta de la República, Lidia Gueiler Tejada, el
conjunto folklórico viajó a Tarija y Sucre, para hacer una
representación coreográfica de los mineros, en eventos culturales de
renombre de ambas ciudades. Después, se cumplió otra gira por las
minas del Consejo Central Sud, habiendo recibido elogios de autoridades
e instituciones. En el auge de
la Fraternidad, en 1979, los dirigentes Zacarías Virreyra y Roberto Díaz,
lograron formar una banda de música singular, la más numerosa de la
historia del Carnaval de Oruro, reuniendo a 150 integrantes. La
denominada Gran Banda Minera estaba compuesta por trabajadores mineros
de Catavi-Siglo XX y otros centros mineros. "Asumimos
esta danza, recordando a los centenares de seres, como los negros traídos
del Africa, esclavizados injustamente por los españoles", afirmó
el presidente de la Fraternidad Reyes Morenos Comibol, Edmundo Cámara
Flores. Los personajes
que tiene la Fraternidad, son: El moreno mayor o achachi, los reyes
morenos (que tiene una categoría mayor al de los esclavos), las chinas
morenas y los morenos, los que vivieron encadenados, trabajando en las
primeras minas que habían en el cerro Pie de Gallo. Durante la
primera gestión de la institución, hubo predominio de los trabajadores
de las minas. Después, se incorporaron los técnicos y profesionales de
la Corporación Minera de Bolivia, para disfrutar de los actos
culturales y sociales del Carnaval. Los Reyes
Morenos Comibol organizaron la entrada de más de un centenar de
danzantes, hasta la época de la relocalización de los mineros en 1986.
Después, disminuyó su presencia, pero, con el mismo denominativo, los
relocalizados tomaron la iniciativa de preservar esta institución, en
representación de quienes habían salido de las minas. Según la explicación de Edmundo Cámara, en la actualidad, participan ex técnicos de Comibol, relocalizados, empleados de la Cooperativa de Telecomunicaciones de Oruro y trabajadores independientes, más la presencia activa de la juventud de los barrios mineros y otros sectores. |
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Morenada Oruro: Así se llamaba la genuina Morenada Zona Norte |
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* La
primera morenada de Oruro se fundó el 9 de marzo de 1913, pero mucho
antes, ya se bailaba y se practicaban las tradiciones en honor a la
Virgen de la Candelaria
La Morenada
Zona Norte fue la primera institución de su género. El nombre genérico
era Morenada Oruro, porque era la única que hacía espectáculos
coreográficos en la Plaza del Socavón, frente al santuario que se había
erigido en honor a la Virgen de la Candelaria que, posteriormente, se la
conoció como Virgen del Socavón. La Morenada
Oruro fue fundada el 9 de marzo de 1913, en un domicilio de la calle 6
de Octubre y San Felipe, para rendir pleitesía a la Virgen. Las
actividades se iniciaron, sin embargo, muchos años atrás, sin
necesidad de cumplir una formalidad, con la participación de veleros y
cocanis. La fundación
surgió a iniciativa de varias personas que no alcanzaban ni a diez,
pero eran los principales promotores que año tras año celebraban con
gran pompa la fiesta del Carnaval e invitaban a sus familiares y amigos
que vivían en el interior del país y comunidades aledañas, para que
puedan bailar morenada. El conjunto
folklórico tenía apenas 20 danzarines, bajo la dirección de N.
Coronado, que hacía de caporal, seguido por algunos morenos y algunas
figuras, con la participación de las familias Alanes, Condori, Nina y
Llave, que tenían una incesante actividad comercial, particularmente de
coca y velas. La coca era
masticada por los centenares de mineros que oradaban las minas de plata
de los cerros que circundan esta ciudad, mientras que las velas tenían
que ser adquiridas casi a diario por los habitantes, porque no había
energía eléctrica. Los ingresos económicos de los veleros y cocanis
eran sorprendentes, que permitían solventar los gastos que podían
significar una fiesta del Carnaval. Las
actividades quedaron paralizadas, como emergencia de la Guerra del
Chaco. Desde 1930 hasta 1940, se mandaba realizar misas en el templo de
la Virgen del Socavón, haciendo votos y plegarias para que los
danzarines que se habían enrolado al ejército puedan volver a Oruro en
cualquier momento. La Morenada
quedó cesante durante los años de la conflagración bélica. Sin
embargo, fue reorganizada en 1940, nombrando por unanimidad a Emeterio
Condori y esposa como pasantes, para garantizar la fiesta con bebidas y
comidas, además del acompañamiento de bandas de música. La vestimenta
era especial. La ropa para los varones estaba bordada con hilos de plata
y oro, pero además con una serie de piedras preciosas colocadas
alrededor de la pechera y los pollerines y caretas. La denominación
oficial de Conjunto Tradicional Folklórico Morenada Zona Norte, surgió
en 1955, para diferenciarse del conjunto Morenada Central Oruro, que
quería tener semejanza en la danza y la vestimenta. Se nombró pasante
a Nicolás Condori y esposa, sin fijarse en el dinero o los bienes, sino
en una pareja respetable, ligada a la actividad comercial de los
veleros, pero ante todo, por respeto a la familia, la devoción y las
aspiraciones de progreso. Los pasantes
eran designados con un año de anticipación y éstos trabajaban
intensamente con el objetivo de garantizar sus ingresos económicos que
les permita solventar los gastos que demandaba la festividad religiosa. Las bandas de
música, que no pasaban de diez a veinte integrantes, no exigían pago
alguno, sino la alimentación y las bebidas. Gregorio Llave
Calle, era director y caporal del conjunto en 1955. Recordó que tenía
como morenos a Miguel Corimayo y Pedro Flores y llegaba a un total de 36
integrantes, número máximo de aquella época, utilizando los colores
celeste y rojo, para la formación de dos filas de morenos. Las señoritas
figuras llevaban una plumera blanca. En el
transcurso del mismo año, por iniciativa de algunos danzarines, se formó
una directiva, con el objetivo de mejorar la organización de su espectáculo.
Laureano Portugal fue elegido presidente, por unanimidad de votos. La Morenada
Zona Norte se caracteriza por tener danzarines especiales que hacen de
figuras femeninas. Son tres varones, con disfraz de negras con polleras
de elegantes colores y sombreros, porque las mujeres no habían tomado aún
la decisión de incorporarse como danzarines. Solo estaban de acompañantes.
Ellos eran Bernabé Chambi, Policarpio Callata y Laureano Mamani, bajo
la dirección de Benedicto Llave. Luego se incorporó Víctor Soria. La Morenada
también tuvo la característica de renovar en forma permanente las
matracas de los morenos. Habían matracas en forma de pescado,
barrilitos, barcas tipo carabela, ositos, televisores y la mariposa. Los
cambios se hacían de acuerdo a la época y la moda. La mariposa
hizo sensación en los espectadores, porque se estrenó justo con la
pieza musical "Mariposa", en ritmo de morenada, creada por la
Banda Espectacular Pagador, que estuvo acompañando 7 años a esa
institución, en las fiestas del Carnaval. Las matracas
de hoy tienen una forma de arpa, las originales que siempre habían
utilizado los primeros morenos. Para
distinguirse de la Morenada Central, se utilizaron también chalinas
celestes y rojas y, últimamente, ponchos con los mismos colores, pero
esencialmente manteniendo todas las tradiciones ancestrales que tenían
las antiguas generaciones. Para las figuras femeninas habían chalinas
blancas. El traje de
ensayo, que se utiliza en los convites, está compuesto por un sombrero
negro, traje negro, chalina o poncho rojo, celeste o blanco, barrilitos
de plata en bandolera, recordando el esplendor minero que tenía Oruro,
cuando producía plata en grandes cantidades para sostener la corona de
España. Para la
Morenada Zona Norte, por jerarquía, los pasantes tienen lugar especial,
después la directiva y el caporal o director de danza. Este último es
el único que tiene don de mando para manejar la tropa de morenos o
esclavos negros, y también tenía contacto directo con la banda de músicos.
"Auguramos
mucho éxito a los dirigentes y que lleven siempre en alto el nombre de
nuestra morenada, que tan ingratamente fue descuidada por el gobierno,
ya que hace preferencia a otras morenadas. La primera morenada de Oruro
fue la Morenada Zona Norte", afirmó el ex presidente, ex danzarín,
director y caporal de 1955, Gregorio Llave Calle. Aquel año,
era subdirector Benedicto Llave Aguilar, y tenía como guías a Miguel
Corimayo, Rafael Llave, Pedro Flores y Florencio Yucra. Inés Escobar
de Alarcón, Laura N. y Senobia N., fueron organizadoras de la Sección
Femenina, algunos años después. Alfonso Cóndor Bolivia, Wilfredo Cóndor
Bolivia, la familia Ríos y la familia García, organizaron la Sección
Reyes Morenos, mientras que Gerardo Rodríguez, Modesto Chambi, Rufino
Condori y Alberto Patón, hacían de delegados ante autoridades e
instituciones. La Morenada
Zona Norte está presidida actualmente por Germán Llave, está afiliada
a la Asociación de Conjuntos del Folklore de Oruro y tiene varias
secciones con más de 300 integrantes: Morenos, achachis, reyes morenos,
cholitas, chinas morenas y el grupo infantil. Su presencia en el
Carnaval de Oruro, hoy Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad, es
respetable y tiene un lugar de preferencia, convirtiéndose en el
segundo conjunto más antiguo de las tradiciones y la cultura popular. CANTICOS Para la
entrada del sábado de Carnaval -recordó Gregorio Llave Calle- se repetía
el siguiente cántico:
Campo Natural,
déjenos
pasar, porque los
morenos vienen a
adorar. En la víspera
se llegaba a cantar: Madre
protectora, Señora que
tienes penas de
todos, a todo
desamparado brindas tu
ayuda. En el alba se
llegaba a cantar: Buenos días
Madre mía, de los pobres
novenantes, al recordar señora,
venimos día y
noche. Y..., para la
despedida tenía el siguiente cántico: No quisiera
separarme, ni un momento,
ni un
instante, de tu sagrada
presencia, Madre de
gracia brillante. (*) Periodista de LA PATRIA
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Conjunto
Folklórico y Cultural Phujllay Oruro |
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"En la
vestimenta extraordinaria, en el danzante Phujllay de Oruro, resalta el
phatu ujuta (ojota gruesa), bastante alta hecha de suela sujetas a los
pies con correas de cuero de vaca (crudas). En la parte posterior llevan
espuelas (gallos), forjadas de acero puro, sirviendo en cada paso al
danzante, para llevar el paso al son de la música en la danza del
Phujllay". Tarabuco,
donde nació el Phujllay, de la cultura Yampara, conserva casi sin
cambios su esencia folklórica expresada en su pesado danzar, su música
de tono melancólico, monótono y el cantar solitario del campesino que
trata de expresar su amor a una moza. Los danzantes
del conjunto folklórico Phujllay Oruro, es otro de los grupos autóctonos
atractivos que tiene nuestro carnaval, en un trasfondo histórico que
integra antiguas y diferentes festividades, cuyo origen está en el
pueblo de Tarabuco, proveniente de la cultura Yampara, con característica
varonil, típico y marcial, interpretada por jóvenes de ambos sexos. Rememora a las
pandillas o "ruedas", de campesinos y mestizos de Chuquisaca
que recorren los poblados a pie o a caballo, visitando casas donde
existe chicha (bebida), y "pukaras". En el
Phujllay, las pukaras o defensivos preincaicos son convertidos en arcos
de plata adornados con banderas blancas, follajes y productos a ser
cosechados, choclos, flores, papas, hortalizas, panales de abejas,
carnes y bebidas entre otros. Con el
carnaval coincide con la festividad prehispánica del Jatun Pocoy, (gran
madurez), y pauker waray, (sacrificio al sol), que posteriormente se unió
a la conmemoración de la victoria de los yamparaes sobre los españoles
en la batalla de jumbate el 12 de marzo de 1816. HISTORIA En la
provincia Yampara del departamento de Chuquisaca, distante
a 65 kilómetros de la capital del mismo nombre, se encuentra
ubicada la población de Tarabuco, conocida por la maravillosa riqueza
de sus manifestaciones folklóricas. Las
comunidades de la cultura yamparae conmemoran la batalla de Jumbate, en
el lugar denominado las carretas, donde sus aguerridas huestes nativas
derrotaron al famosa batallón español de caballería
"Verdes", el mismo que anteriormente al pasar por las
comarcas, había cometido sangrientos abusos, incendiando casas,
violando y asesinando a los comunarios. Chuquisaca,
fue escenario de las batallas peladas por lograr la independencia de la
República, donde la heroína Juana Azurduy de Padilla, luchó al lado
de los indomables nativos yamparaes junto a los caudillos Calizaya,
Carrillo, Miranda y otros. Los
enardecidos tarabuqueños, en señal de venganza, con singular
estrategia exterminaron a los chapetones verdes, arrancándoles el corazón,
por lo que son denominados también "Zonko Mikus", a quienes
los despojaron de su vestimenta, con la misma y en son de triunfo
bailaron jubilosa y ceremoniosamente. LA DANZA Tiene el
estilo de una marcha guerrera espontánea, con desplazamientos, de
derecha a izquierda, en formaciones por escuadras, a paso de caballo,
las columnas de a dos en zigzag, o zigzagueando, como una víbora, en círculo,
con venias para rendir honores a la Pachamama, intercambiando posiciones
de contrapunteo. La danza es de
lo más autóctona y original por la representación que se hace de la
cultura yampara, es esencialmente varonil, épica y marcial a excepción
de las ñustas. Está formado
por cinco comunidades y un grupo infantil, cada comunidad está
compuesta por danzarines varones que hacen de la danza del Phujllay, un
atractivo folklórico y étnico al lado de las ñustas. Cada comunidad
está encabezada por un wiphalero, que es el danzarín más destacado. En el conjunto
folklórico y cultural, Phujllay Oruro, no están permitidas las figuras
ni danzarines que bailen solos durante la entrada del carnaval a excepción
de los wiphaleros de cada comunidad. El danzarín
wiphalero, es el abanderado que lleva la wiphala multicolor con traje de
diario, y encabeza la danza del phujllay. Las ñustas
phujllay, señoritas solteras (sipas), bailan vestidas con traje de
gala, tejidos con pallay figuras antropomorfas, fitomorfas, zoomorfas
propias de la región. FIGURAS La tropa del
Phujllay está formada por varones agrupados en comunidades utilizando
el atuendo de gala confeccionado exclusivamente para este tipo de
eventos en la danza del Phujllay. El alferéz
mayor, es el danzarín elegido por un cabildo de comunidades custodio de
la virgen responsable del aspecto devocional, disciplinario y
organizativo. Este personaje será representado por una pareja modelo,
unida en matrimonio, al esposo se confía el bastón de mando, en señal
de máxima autoridad El alferéz de
la Pukara, es el personaje a quien se le confía el látigo como símbolo
de autoridad. TRAJES Las prendas
son de origen nativo con alegorías de la región e influencias de otras
culturas. Tejidas a mano por las mujeres de la comunidad con
extraordinario acabado de mucho colorido y variadas figuras zoomorfas,
fitomorfas, antropomorfas y geométricas. El varón
lleva en la cabeza, una montera (casco), hecho de cuero de chivo, copia
muy similar a la de los españoles de uso diario. sin adornos. Pacha
montera (montera de lujo), t«icanchada (adornada), con flores de tela
semejantes a las dálias rosadas, blancas y amarillas para ser lucidas
en la danza del phujllay. El oqhollo
(renacuajo), es un gorrito de color negro tejido a crochet, en la parte
delantera adornado con lentejuelas, bordado con hilos de colores,
mostacillas, ribeteada a modo de adorno con hilos de colores y una cola
que cubre la parte posterior del cuello. La almilla
(k'uyo), es una blusa adaptada de los conquistadores españoles, es
amplia, sin ningún adorno de color negro y tiene mangas amplias que
llegan hasta la mitad del antebrazo, cuello en "V", hecho de
bayetilla. Los calzones,
están adaptadas del atuendo de los españoles de color blanco con
bayeta para el uso diario a la altura de los pantorrillas y bastante
holgadas de gala a vestimenta. VESTIMENTA
EXTRAORDINARIA Cofia
(estola), elemento místico ritual acomodado en la cabeza, encima de la
montera, cuelga en dos partes por detrás hasta las pantorrillas de cuya
parte central penden chumpis (fajas), y cintas de diversos colores con
motivos diversos (soldados, caballos danzarines de phujllay, pukara,
flora y fauna), representan los sucesos y hechos históricos de su
cultura. La pañoleta,
es de forma cuadrada, de color ciclan, son de seda y las usan , una:
como mantilla en forma triangular sobre el "kunka",
"unku" y la otra en la mano derecha. Las polainas,
son medias que no cubren los pies, más bien del talón hasta la canilla
de abundantes colores y figuras alegóricas hechas a phitana (palillo)
por los tejedores. El phatu ujata (ojota gruesa), son bastantes altas, hechas de suela, sujetas a los pies con correas de cuero crudo de vaca. En la parte posterior llevan espuelas (gallos), forjadas de acero, que sirven para llevar el compás de la música.
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Las matracas de una raza vilipendiada Por: Dr.
Antonio Revollo Fernández |
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Fraternidad
Zampoñeros "Hijos del Pagador" |
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conjunto
acompañados con las palmas del público", danzarín. La fraternidad
zampoñeros "Hijos del Pagador", se fundó un 18 de julio de
1954, estando como responsables, Francisco Corminales, como presidente;
Eugenio Fernández, vice presidente y Luis Villarroel. El conjunto
tiene como integrantes a 40 zampoñeros, que bailan con carcachas, tiene
una sección infantil y baterías de tambores, bombo y platillos, el
grupo consta aproximadamente de 80 componentes, siendo su presidente en
la actualidad, Jesús Benito. VESTIMENTA El conjunto
integrado por algunos trabajadores que pertenecen a los lustrabotas y
canillitas, quienes utilizaron en sus inicios, trajes como los árabes,
por la capa, telar de satín azul, de color rojo, bombacha, zapato
negro y chaleco del mismo color, para los siguientes años se cambio al
traje autóctono, que consta de blusa, pantalón de tela de bayeta de la
tierra, una faja en la cintura, abarcas, chulo o sombrero. El traje se
renovó tiempo atrás, con diferentes colores y modelos, siempre de tela
de bayeta del color de la tierra. MUSICA Este conjunto
interpreta diferentes tipos de música en el carnaval de Oruro, como los
huayños, morenadas, diabladas cumbias, todos recopilados y tocados al oído.
Tienen dos discos grabados, producto de la dedicación y del trabajo de
los músicos que interpretan melodías con sus propios instrumentos. ANECDOTA Después de
grabar un disco con ocho temas, el grupo tuvo que lamentar que la
disquera Lauro, no haya cumplido acuerdos con los dirigentes, hecho que
frustró futuras grabaciones. Los 50 discos que entregó la firma, en
una actuación de apoyo a una artista, se vendieron en una sola noche en
el teatro Imperio de esta ciudad, en el año 1971. INSTRUMENTOS El conjunto
cuenta con un instrumento principal, la zampoña, que sirve para
trasuntar las preocupaciones de la raza, el alma con sus notas que
reproducen los vientos del yermo, el murmullo de los ríos que
descienden de las nevadas y montañas, la belleza de éstas y la alegría
de los campos sembrados con plantas aclimatadas a 3.500 metros sobre el
nivel del mar. Las nativas zampoñas de once y doce tubos, elevan sus melodías a la Virgen del Socavón, las zampoñas altiplánicas han sido llevadas por los danzantes a tierras extranjeras, difundiendo así, la música boliviana, también se utiliza un tambor, bombo y los platillos.
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| La Fraternidad Artística Cultural Kallawayas Bolivia | ||||
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"La
danza expresa el homenaje a la medicina natural que practican
los curanderos andinos con plantas, hierbas, para consolar y
sanar la salud de los necesitados, representa al médico nativo en su
traslado a través del altiplano, portando su tradicional llant'hucha
(sombrilla)" Por
devoción a la Virgen del Socavón, "Patrona de los mineros",
los trabajadores eventuales de la Sección Vigilancia, de la empresa
minera de San José, crearon un 15 de octubre de 1980, la
"Fraternidad Artística y Cultural Kallawayas San José",
rescatando las características de los médicos herbolarios. Danza que se destaca por sus saltos ágiles y sincrónicos
que expresan el despliegue físico del médico itinerante que tiene que
vencer obstáculos en su largo trayecto, como riachuelos, cerros y
quebradas. La
danza kallawaya rica en ritmo y armonía, viene acompañada de profundas
manifestaciones telúricas del mundo andino, sustancializada en rituales
esotéricos, con un contenido ceremonial. LOS
AMAUTAS O SABIOS DEL ANDE La
categoría de "amauta cunaj runa" (depositarios de la ciencia)
otorgada a los kallawayas en el periodo de la dominación incásica,
permitió considerarla un status de rango superior, debido a su calidad
en el dominio y la práctica de la farmacopea vegetal, animal y mineral
del mundo andino, así como en el diagnóstico y tratamiento curandil de
muchas enfermedades, cuyas prácticas esotéricas psico-terapeúticas
fueron muy altas y efectivas para su época, sostiene el investigador
Antonio Revollo Fernández. De
acuerdo a modernos estudios de la cultura andina y kallawaya en
particular, el médico herbolario de la región de Charazani (provincia
Bautista Saavedra de La Paz), Curva, Niño Korin, K'anlaya, Chajaya,
etc., pertenecen a la denominada cultura Mollo, descendientes directos
de la cultura Tiwanakota. Por ello, inclusive hoy, pese al proceso de
mutaciones y mestizaje entre aymaras y quechuas, el kallawaya mantiene aún
rasgos distintos que lo diferencian de aquellos, tanto en lo etnológico,
así como en sus costumbres y cultura. La
rica danza y vestimenta folklórica viene acompañada de profundas
motivaciones telúricas del mundo andino substancializando en rituales
esotéricos, cuyo contenido ideológico religioso es expresión genuina
y prístina de costumbres ancestrales del hombre boliviano, "de ahí
que la danza del kallawaya no es chabacana ni dicharachera, es la
expresión ceremonial y aristocrática, cuyo garbo exaltado representa a
la élite de su culta genealogía", indica Fernández. En
el señorío relevante de la coreografía kallawaya, sobresale su
"llant'hucha" de "suri" (sombrilla con pluma de
avestruz), para cubrirse de la insolación en sus largas caminatas,
inclusive allende las fronteras del Collasuyo (hoy Bolivia), además del
"mate" (bolsín) del hombre, donde se carga menjunjes y
hierbas medicinales, dan a esta danza ritualesca un conjunto imponente,
dada además por su condición y status social dentro sus inter-pares
andinos (aymaro-quechuas), culmina el investigador. FUNDACION A
las 16 horas del 15 de octubre de 1980 surge en el ámbito institucional
del quehacer folklórico, la Fraternidad Artística y Cultural
"Kallawaya San José", siendo la cuna de nacimiento del
conjunto, el campamento minero de San José, gracias al impulso de Gastón
Zeballos, Antonio Jaén, Eduardo Siles, Rosa León de Siles y otros
ciudadanos, según el acta de fundación. Al
determinarse que la organización tendrá duración ilimitada, mientras
exista en su seno por lo menos diez socios afiliados; en su vida
institucional adopta reglamentos, un código de penas y otras
disposiciones emanadas y vigentes en la Asociación de Conjuntos del
Folklore de Oruro (ACFO). Los
primeros danzarines fueron los trabajadores eventuales de la Sección
Vigilancia de la empresa y al principio sólo era integrada por varones;
con el pasar de los años se fue integrando a la mujer, como pareja
indisoluble. VESTIMENTA,
PERSONAJES Y PASOS La
vestimenta que llevan los danzarines son: Un poncho de lana como
protección y abrigo; los "khapachos" llevados a manera de
crucetas, y la relevante llant'hucha de suri, hoy convertida en una
colorida y vistosa sombrilla, que hace que resalten a distancia. Existe
un "curaj camani" o jefe de danzas, cada bloque tiene una guía
seguido de una columna de kallawayas o varones y de otra columna de mama
thallas o damas, cada una con su respectiva cabecilla. Como
figuras de la danza están las personalidades más sobresalientes y
venerables de una comunidad, como el JUCHACAMAO o jefe mayor, el
JUCHAMAJCHEJ MACHUCUNA o segundo jefe mayor, el TUCUIRICOJ CAMAYO o
secretario mayor, el CURAJ MALLCU o el más anciano, los MALLCUS o jefes
ancianos, los ACHACHIS o personas mayores, el WATAPURICHI o AMAUTA que
es gran sacerdote, guía y sabio andino. Como
figuras femeninas están la JHATUN MAMA o gran mujer y las warmis o
mujeres de las autoridades. El
ritmo se baila siempre con los pies de punta, entre los principales
pasos se tiene: Paso básico o fundamental, paso altiplano saltando,
paso del río, paso del río (taco punta), paso pariguana, paso de
fiesta, paso del río (equilibrio) y el paso patada del ñandú. PRIMER
DIRECTORIO El
primer directorio que rigió la vida institucional durante la gestión
1980-1981 estaba conformado de la siguiente: Presidente, Gastón
Zeballos Villalba; secretario de actas, Antonio Jaén; cultura, Eduardo
Siles; prensa y propaganda, Jorge Valdez; régimen interno, Luis
Cocavia; delegado a la ACFO, Israel Lafuente; director de danzas,
Guillermo Elías, Julio Angulo, Julio Revilla y Tomás Huanca, vocales. SOCIOS
FUNDADORES Los socios fundadores son: Gastón Zeballos, Rosa de Siles, Israel Lafuente, Tomás Huanca, Oswaldo Panoso, Freddy Choque, Raúl Quispe, Víctor Ninavia, Berna López, Julieta Aquino, Gabriela Urquidi, Elvis Angulo, Luis Cruz, Emma de Rojas, Constantino Reynaga, Antonio Jaén, Jorge Valdez, Julio Angulo, Guillermo Elías, Emilio Flores, Marlen Siles, Angel Arias, Ausberto García, Rodo López, Daysi Cossío, Martha Urquidi, Bertha Tapia, Carmen Cruz, Lola Flores, César Maydana, Eduardo Siles, Luis Cocavia, Julio Revilla, Eusebio Cuellar, Víctor Mérida, Bertha Bazualdo, Walter Arias, Sussy Arias, Costa López, Filomena Revilla, Zulema Apaza, Samuel Tapia, Zelma de Cruz, Víctor Aquino y Albina de Maydana. (NC)
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El
ballet andino de los Wititis |
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en 1955. En
esa oportunidad se presentaron 17 conjuntos del área aymara, y entre
ellos los Wititis, que llamó la atención de muchos investigadores. Pasaron muchos
años antes de que esta danza sea conocida por folkloristas bolivianos.
Se fundó en la ciudad de Oruro en 1980, desde entonces participa en el
carnaval orureño, como conjunto autóctono, singular y diferente en
algunos aspectos de arte, aymara Tiahuanacota, riqueza potencial en música
y danza. Su presidente actual es Jorge Vásquez. Esta institución
fue fundada el 7 de octubre de 1980, con el impulso de la profesora de
ballet Magalí Fuentes, colaborada por un entusiasta grupo de gente
inquieta y con deseos de incursionar en el campo del folklore. Los ancestros
cuentan que los Wititis no tenían un lugar estable, más parecían nómadas,
porque vagaban de un lugar a otro, pero que después se asentaron a las
orillas del lago Titicaca y se comunicaban en aymara. ORIGEN El origen
central se remonta a la cultura aymara, la danza era ejecutada por los
habitantes de una tribu aymara y revisando el diccionario aymara de
Bertonio, encontramos que la palabra Wititis, quiere decir "andar a
prisa, el caminar de los niños, chiquitos o pájaros", acepción
que tiene analogía con detalles y elementos de la danza. La palabra es
utilizada en algunas regiones aledañas al lago Titicaca, para señalar
un lazo o soga, cuerda gruesa fabricada de cuero de oveja o lana de
llama, que tiene anudada una de sus puntas. El dato tiene
relación con la danza, porque los personajes centrales portan una larga
soga de cuero, arrollada y colgada en un hombro. La soga la
sostienen ostensiblemente, la exhiben y dan a entender, con sus
movimientos, que es un elemento principal e insustituible de la danza. Se presentaron
en el festival folklórico auspiciado por la municipalidad de La Paz,
conmemorando la fecha cívica del 16 de julio del año 1955. La dignidad
de su representación, los extraños atuendos que vestían, sus
participantes y sobre todo la plasticidad en la ejecución de la danza,
hizo que haya sido conceptuado como un ballet folklórico andino. En 1965 la
danza de los Wititis nuevamente se presentó, pero muy desmejorada, con
el atuendo muy raído y llevando como variante una perdiz disecada sobre
el índice de la mano izquierda y una rama de espinas arrollada en la muñeca
de la mano derecha. Si bien tenía
la misma energía en el paso para seguir el ritmo de la música, ya la
danza como conjunto perfecto, mostraba decadencia, pese a todo eso, lo
principal es que se dejó precedente y la danza fue conocida.
Conocedores de todos estos antecedentes y con la premisa de rescatar y
reavivar esta joya de la danza andina, es que nació la idea de fundar
el conjunto autóctono Wititis. CARACTERISTICAS
DE LA DANZA Más parece
una exótica demostración de ballet que una danza autóctona aymara. En
los Wititis, superviven resabios culturales que las influencias foráneas
no pudieron cambiar completamente. El ritmo del paso vivo se asemeja al
paso de algunas aves que bien pudieran ser el tema de inspiración de
esta danza. La danza en
general para ser creada tiene que reunir las formas plásticas que el
hombre observa, entre ellas las actitudes y movimientos corporales de
humanos y animales, los gestos faciales, es decir todos aquellos
elementos conceptuados plásticos. La danza es
presidida por los Mallkus, después están los Wititis, y detrás de
ellos se encuentran las señoritas y al final los cinco individuos que
componen la orquesta autóctona. Esta formación,
principio de la danza, la utilizan cuando avanzan por una avenida o dan
comienzo a su coreografía, donde todos los participantes ejecutan
distintos pasos y movimientos, mientras los Wititis, avanzan tres pasos,
para luego retroceder dos, llevando siempre en alto la soga para repetir
nuevamente, los lentos avances, los Mallkus avanzan extendiendo las alas
y agachando un poco el cuerpo. PERSONAJES La danza de
los Wititis, tiene tres personajes que son: los Wititis, propiamente
dichos, figuras ágiles que se sitúan en medio del grupo, el Wititi, es
el académico, sus pasos y actitudes van al son de la música, dando una
idea de un ballet autóctono. Las señoritas,
también llamadas imillas, son personajes que llaman la atención por su
original vestimenta. El Mallku, del
grupo Wititis, durante la danza, parece que fuera a elevarse en raudo
vuelo imitando los movimientos de un cóndor. MUSICOS La orquesta autóctona que originalmente se componía de cinco personas, dos tambores y tres que soplan "Pfalawitas", quenas de boquillas con dos orificios delanteros y uno posterior, sin embargo para la entrada en el carnaval se precisa de más músicos. |
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Centro
Cultural Rikjchary Llajta |
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de
tholares y pajonales en plena cordillera, su música recogida de esta
naturaleza, es muy acogedora y melancólica como el mismo paisaje
desolado. La
tarqueada de la comunidad se mueve vertiginosamente entre los ritos
ancestrales y la alegría del hombre andino. El
centro cultural Rijchary Llajta fue fundado el 23 de octubre de 1983, en
la Universidad Técnica de Oruro, surgiendo de la motivación de jóvenes
universitarios comprometidos con su pueblo, ex integrantes del Centro
Integral de Teatro (CIT0), alumnos de la carrera de auditoría
financiera de la Facultad de Ciencias, Económicas y Financieras y
Administrativas de la UTO. En
una reunión en la jefatura de esa carrera decidieron conjuntamente las
autoridades superiores de la UTO, fundar una institución dedicada al
fomento de la cultura y sobre todo al rescate de valores culturales autóctonos
con fe y devoción a la Virgen del Socavón, pensando en la tierra de
los URUS. ¿POR
QUE SE FUNDO? Rijchary
Llajta se creó con el objetivo de proyectar la actividad cultural en
Oruro, que por entonces se encontraba disminuida en la capital del
folklore de Bolivia. Así
nació el Centro Cultural Rikjchary Llajta,
el 23 de octubre de 1983, para participar del carnaval más
grande del mundo, con mucha devoción a la virgen del Socavón y para
ser vanguardia de la cultura orureña, en todos los campos del arte y la
cultura. Fue
creado en 1956 como conjunto autóctono representado por la comunidad de
Belén de Choquecota, sin embargo después de varios años de receso y
gracias al rescate del centro cultural, se puso nuevamente en vigencia.
Belén de Choquecota dio nacimiento a la mayoría de los integrantes. VESTIMENTA Las
autoridades más altas de la comunidad de Belén de Choquecota, utilizan
ponchos verdes para adorar a la madre Pachamama y a los
Pucaras. El verde representa el reino vegetal, la esperanza y
ansias de superación de todo el pueblo. Las
chuspas o wistallas, en colores muy resaltantes, simbolizan a la
wiphala, portador de la alegría, pena y aceptación, en ella está la
hoja sagrada del Ande (coca), que acullican en honor a la madre
naturaleza. La
chalina, de color blanca, simboliza al cuello del cóndor o mallku. La
wankara, que representa el bombo o instrumento de guerra entre el bien y
el mal, acompaña al ritmo del conjunto en actos muy ceremoniosos. COMPOSICIONES
El
Centro Cultural, Rijchary Llajta,
ha aportado al acervo nacional con composiciones propias como
Orureñita (huayño), Cholita Orureña, (hayño), en las Orillas
Rijchary Llajta (huayño), Serpentina (huayño). Esta música
instrumentada por miembros del grupo, ha sido grabada en muchas
oportunidades. Celso Orozco, su actual presidente y fundador junto a Carlos Molina, Marco Morales, Guido Tejerina y otros, lograron institucionalizar la defensa, rescate, revalorización y difusión de nuestro patrimonio cultural y folklórico a través de su taller de danza, arte, radio, televisión, poesía y música, visitando el interior del país con mucho éxito, haciéndose acreedores en diferentes festivales de música folklórica autóctona de innumerables reconocimientos, siempre amenizados por el conjunto Mallkus de Belén de Choquecota, de la región del Jacha Carangas.
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Las
zampoñas de los Kory Majthas |
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La zampoña es
un instrumento musical de viento, típico del altiplano boliviano, las
tarcas están constituidas por 12 tubos y las iras por once, ambas se
complementan para cualquier interpretación musical, una sola no tiene
las notas completas, estando afinadas las mismas al piano, llevan
consigo juegos de taicas, maltas licus y chuchulis completando con
instrumentos de percusión como el tambor, platillos y bombos". En el carnaval
de Oruro, uno de los conjuntos folklóricos de instrumentos de viento,
es el conocido como los "Kory Majthas", nombre que deviene de
los idiomas nativos quechua y aymara, Kory, que significa oro, y Majtha,
juventud, es decir Juventud de Oro. La agrupación
fue fundada el 3 de junio de 1968 como primer conjunto femenino de zampoñas,
en el domicilio del patricio orureño, Josermo Murillo Bacareza. La inquietud
de algunos directivos, apoyados por jóvenes, permitió el resurgimiento
del grupo. En la actualidad el trabajo tesonero de su presidente,
Ricardo Yucra, logró a interesar en el grupo a gente del exterior, como
son los miembros de la comunidad Jica, quienes lograron aprender a tocar
la zampoña para participar
en el baile, logrando así, evitar su inminente desaparición. Su primer
presidente fue Enrique Reguerín y el segundo, Josermo Murillo Bacareza. Los Kory
Majthas es uno de los atractivos grupos folklóricos en el carnaval de
Oruro, siendo un gran aporte para la declaratoria de Patrimonio Oral e
Intangible de la Humanidad. HISTORIA El
denominativo de "Kory Majthas", fue propuesto por el insigne
sociólogo orureño, Josermo Murillo Bacareza, quien en tiempos
anteriores, tuvo una activa participación en las investigaciones de las
culturas nativas, del sector del altiplano boliviano,
siendo su fundador el artista Alfredo Soliz, acompañado por Ana
María Siles, Nelly Rollano, Yolanda Rollano, Vilma Rollano, Lourdes
Burgoa, Martha Burgoa, Margoth Tobar, José León, Sergio Villca, René
Zenteno, Luis y José Burgoa, todos ellos artistas de escenario, con
mucho prestigio en Oruro. El grupo fue
creado para cultivar y fomentar el rico acervo musical de nuestra patria
e identificar a la juventud con nuestras costumbres. Desde sus
inicios, el grupo juvenil, tuvo ardua labor en el campo artístico,
cumpliendo una serie de presentaciones en el interior en nuestra ciudad,
obteniendo lauros por la danza y los instrumento de viento empleados. INSTRUMENTO El conjunto
folklórico "Kory Majthas" se caracteriza por la pulsación
del instrumento de viento autóctono, la "zampoña", que se
fabrica de una cañahueca, arbusto llamado chuqui que crece en las
orillas de los valles, y trópicos bolivianos, su tamaño varía desde
lo más grande hasta lo más pequeño. La característica
del conjunto de zampoñeros "Kory Majtha", en las pulsaciones
de la zampoña, instrumento de viento llamado también (sicu, siringa o
flauta de pan), es conocida en todo en el mundo, desde la más remota
antigüedad, primero en China y Grecia, pasando después por el centro
del continente Europeo y hallandosé hoy
muy extendida, en Oceánica, islas de Tonga, Nueva Zelanda y
Nueva Guinea, formando en esta última verdaderas orquestas. Es uno de los
instrumentos más importantes de la música indígena, donde se conoce
con el nombre de sicu o zampoña. La linda
ornamentación del aguamanil, construido de barro cocido fue encontrado
en Trujillo (colección macedo cerámica chimú), muestra a dos hombres
tocando sicus, de 6 y 5 tubos, el otro de 4 y 6, sosteniendo un
"wancara" (tambor), considerándosé éste un valioso
instrumento para el arte y el uso de los sicus en la América
precolombina encontradas en excavaciones realizadas en Bolivia y Perú. REPERTORIO El conjunto de
zampoñeros ejecutan sus melodías en su instrumento principal, la
zampoña, tres tipos de música: Autóctona, Kanthus, Sicus.
Popular: Huayños, Cuecas Taquiraris, Bailecitos, Carnavalitos entre
otros y Moderna: Cumbias, Guarachas y Mambos. A partir de 1996, el conjunto folklórico de zampoñeros, mostró una
faceta diferente con la inclusión de los sicuris, "juventud de los
lisos", de la provincia Poopó, del departamento de Oruro. Las
pulsaciones de ritmo nativo, caracterizan a los Sicus y Wankaras, cada
integrante toca danzando con pasos lentos y en círculos. En los Sicus,
madre de la zampoña, se interpreta música propia del altiplano, y con
el vibrar el unísono de sus wankaras, retumban el frío paisaje que
despierta el sueño de los wirakochas y achachilas, deidades del mundo
andino. VESTIMENTA Este conjunto
tiene la ventaja de escoger cada año la vestimenta que vea conveniente
pero siempre manteniendo la tradición y relación de cada atuendo y
región del país, manteniendo una estrecha relación con la
indumentaria de su pareja, que está confeccionada en tela de bayeta, de
color tierra, aguayos, sombreros de lana de oveja, de paja, y adornadas
con lentejuelas y vidrios de colores. Con el devenir
del tiempo, el conjunto sufrió varias transformaciones, si de principio
fue integrada mayormente por señoritas, hoy participan del baile,
hombres y mujeres. "Kory
Majthas", es un conjunto netamente del altiplano orureño, además
de la pulsación del instrumento de zampoña, con orígenes de la
cultura quechua y aimara, se instituyó el uso del poncho autóctono
tejido de llama, alpaca, vicuña, oveja, matizado con vistosos colores
en los varones y en las mujeres el ajsu y reboso. Los varones
utilizan camisa blanca, pantalón negro de bayetilla, abarcas de goma,
chuspas, chumpi multicolor, poncho, y sombrero blanco de lana de oveja,
con la salvedad de cambiar de color cada dos años sin modificar su
originalidad. COREOGRAFIA
Los "Kory
Majthas" tienen la ventaja de ofrecer al público diversas formas
de bailar pulsando al mismo tiempo el instrumento. Generalmente estas
figuras, forman dos filas de danzarines, una de varones y la otra de
mujeres y realizan figuras como el ovillo, zigzag, trenzado, en círculos,
cambios de lado girando sobre sí, vueltas por parejas, espirales,
escuadras, manteniendo siempre la tradición de bailar como los
campesinos, tanto varones, como mujeres. COSTUMBRES Por ser un
conjunto que integra en su mayoría a jóvenes y señoritas, acostumbran
cumplir con la costumbre de hacer veladas como señal de devoción a la
Virgen, cumplen también con los convites y la participación en la
entrada del sábado de carnaval, celebran una misa, las cacharpayas
(despedidas), sin descuidar de ser parte de las demostraciones artísticas
del conjunto en retretas nocturnas, actuaciones en la Avenida Cívica y
Pagador, como las demostraciones en los hospitales y otros centros de
atención social. Los colores
que representan al conjunto son, blanco y rojo carmesí, los mismos que
fueron aceptados por la Asociación de Conjuntos Folklóricos de Oruro. El actual directorio está compuesto por Alfredo Soliz, presidente; Martha Burgoa, vicepresidente; Ana María Siles, secretaria de relaciones; Margoth Tobar, secretaria de hacienda; Juan Durán, secretario de cultura; Federico Vargas, secretario de prensa y propaganda; Jaime Orellana, vocal; Luís Soliz, vocal y Alfredo Soliz, director del conjunto. (WV).
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Caras y caretas del Museo Antropológico "López Rivas" Por
Ximena Miralles Iporre (*) |
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Oruro
cuenta con un preciado tesoro que espera la curiosa mirada de los
visitantes al Museo Antropológico "Eduardo López Rivas", se
trata de las caretas de distintos conjuntos folklóricos y de diferentes
épocas. En
estas máscaras se puede apreciar la evolución que han sufrido hasta
nuestros días, lo cual nos permite comprender muchas cosas relacionadas
a las danzas de nuestro Carnaval. Están
por ejemplo, las caretas de moreno, la más antigua expuesta en el museo
"López Rivas" data de 1875; también se pueden ver las máscaras
de diablo, la más vetusta es de 1911. En dicho repositorio se pueden
observar caretas de llameros, de tobas, de china supay, de los animales
que forman parte de la diablada, como osos, monos, gatos, cóndores,
etc. y una de los auqui auquis. MORENOS De
este grupo de caretas, las más antiguas presentan unas facciones y
expresiones impresionantemente cercanas a la realidad, demuestran el
cansancio y el sufrimiento por los que pasaban los negros esclavos que
trabajaban en las minas. Con
el tiempo se fueron exagerando las facciones y aumentando elementos,
como la barba y los bigotes, los ojos se hicieron más saltones y el
labio inferior fue creciendo de manera descomunal, asimismo, las orejas
se fueron deformando, a la cara del moreno se le puso verrugas, dando
como resultado una expresión casi demoniaca. Sin
embargo, esas no fueron las transformaciones finales, los artesanos
dieron rienda suelta a su imaginación, creando un rostro que dista
mucho del original, le pusieron brillos, lentejuelas, colores, ojos cada
vez más saltones, narices más recogidas y fosas nasales cada vez más
grandes, el labio inferior lleva piedras y lentejuelas. A las últimas
caretas inclusive se le cambió el color que armoniza con el traje,
también se les aumentó animales, como arañas, sapos, en la cabeza y
hasta en la boca. Las orejas terminan en punta y son de gran tamaño,
cual si fueran caretas de diablo. DIABLOS Si
bien, la careta del moreno fue evolucionando hasta convertirse en un
rostro que nada tiene que ver con los negros esclavos, otro tanto ha
ocurrido con la careta de los diablos. Las
primeras máscaras de diablo eran sencillas, con expresiones demoníacas
pero casi sin adornos, los cuernos eran rectos y no muy grandes;
pertenecían a los diablos rojos y a los diablos verdes. Con
el tiempo, los artesanos comenzaron a jugar con su imaginación,
aumentando elementos que cambiaron totalmente la fisonomía de los
diablos, crecieron los ojos hasta el punto de convertirse en lo más
sobresaliente de la cara. Los
cuernos también crecieron y se fueron retorciendo, además que se
fueron aumentando, encima de la cabeza, animales como el sapo, dragones
y otros, acercándose inclusive más a la mitología china. La
presencia de los dragones también se distorsionó pues a los mismos les
aumentaron cabezas de mayor tamaño. Lo
que resulta interesante de estas máscaras, es el uso de diferentes
materiales en un solo rostro, pues se puede encontrar diablos elaborados
en yeso y hojalata, además de esponja pintada. OTRAS En
el museo "López Rivas" también se pueden apreciar otro tipo
de caretas, algunas acompañadas de los trajes folklóricos del grupo al
que representan. Las
caretas de china supay y de china morena aunque también presentan la
característica de los ojos saltones y las facciones son más femeninas. Se
pueden apreciar las máscaras de los tobas, que al principio eran
sencillas y trabajadas en cedazo, las que posteriormente pasaron a ser
de yeso, con algunos adornos y heridas falsas hechas con pintura. Finalmente
se puede ver otro grupo de máscaras que representa a los llameros, con
una expresión de arreo de los camélidos.
La más interesante es una de hojalata por la forma en que la
fabricaron para darle la expresión de una persona que está silbando. DESCONOCIMIENTO Lo
lamentable del breve recorrido por la sección de folklore del museo
"Eduardo López Rivas" es el desconocimiento que se tiene
acerca de las caretas, principalmente en lo que respecta a los datos de
antigüedad, origen y otros, de parte de los guías. Tampoco
tenemos en nuestro medio, especialistas que investiguen a fondo y
determinen a qué período pertenece el material contenido en este y en
otros repositorios. Según Adelio López Flores, guía del museo, existe
un catálogo de cada colección. (*) Periodista de LA PATRIA |
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